Jean-Léon Gérôme

Jean-Léon Gérôme
1824 - 1904, Francia.


Pintor y escultor academicista cuyas obras son, por lo general, de tema histórico, mitológico, orientalismo, retratos y otros temas, con lo que lleva al Academicismo tradicional a un clímax artístico.



  Nació en Vesoul, Alto Saona, Francia. Se fue a París en 1841 para estudiar en la Académie Julian.En 1854 Gérôme hizo un viaje a Turquía y a las orillas del Danubio. En 1857 visitó Egipto. Bastantes de sus obras están inspiradas e impregnadas de lugares y entornos que el artista visitó en sus viajes.
   Es considerado uno de los pintores más importantes de este período académico, y además de ser pintor y escultor, fue también un maestro con una larga lista de estudiantes.

Árabe y su caballo en el desierto, 1872

OBRA

  La obra de Gérôme se puede presentar clasificándola en varios bloques temáticos: el neogriego, el historicismo, el orientalismo, y los cuadros de temática del artista en su taller:

• NEOGRIEGO.

El círculo de los neogriegos se creó de manera informal, reuniendo a partir de 1847 a jóvenes artistas apasionados por una nueva visión de Grecia de la Antigüedad.

Pelea de gallos, 1846

En el Salón de 1847, los Pelea de gallos firman los comienzos de Gérôme como joven talento prometedor. Se le felicita por su buena habilidad para seleccionar los temas a representar, pero se le teme como un perturbador d la norma establecida, pues Gérôme, en sus obras, combierte la historia en espectáculo.

Friné ante el areópago, 1861.

• HISTORICISMO.

El Cardenal Grey

Este tema pictórico era en ocasiones atacado por la critica como una forma de disfrazar la ausencia de imaginación.

Gérôme se encontró en una difícil situación en la que no fue bien valorado, pues el estilo academicista al que pertenecía llegaba a su fin frente a renovadoras propuestas artísticas de manos de los impresionistas.

Aun así, sus cuadros d tema criticado, demuestran la gran habilidad del artista.

Police Verso, 1872

• ORIENTALISMO

El encantador de serpientes, 1870.

Black Bashi-Bazouk, 1869

Gérôme realizó numerosos viajes hacia el este del Mediterráneo, a partir de 1855. Sus representaciones orientales son muy singulares; con el pretexto de la exactitud propia de su estilo, fortalecida por su recurso del uso de la la fotografía, Gérôme inventó escenas orientales que se inspiraban del imaginario pictórico y literario de su época.

Aunque las imágenes pintadas por Gérôme parecen ser representaciones realistas del mundo oriental, son una idealización.

  Obras destacadas de esta categoría temática:

El comeciante del Cairo, 1869

Almuhecin llamando a la oración.

oración en el Cairo, 1865

Bonaparte ante la esfinge, 1867.

• EL ARTISTA EN SU TALLER.

Pigmelidddon y Galatea, 1890

El final de sesión

  El taller del artista fue donde este realizaba todas sus obras dejándose llevar por su imaginación. El pintor era un gran coleccionista de objetos orientales, y se sabe que su taller estaba decorado con numerosos tapices obtenidos en sus viajes.
  En algunas de sus obras, su propio taller pasa a ser el tema, sobre todo cuando pasa a interesarse también por la escultura. Gérôme se interesa especialmente por el tema del escultor y el dominio de este sobre la materia, y lo relaciona con el mito de Pigmalion dándole vida a Galatea. Así, en obras como 'el final de sesión'', el autor mezcla la mitología con la realidad del taller.

OTRAS OBRAS DESTACADAS.

Diógenes.

La verdad saliendo del pozo.

Duelo después del carnaval, 1857

Bethsabee, 1889

Lynn Chadwick

 Lynn Russell Chadwick
1914 - 2003, Inglaterra.

Spiral, 1991

  Escultor formado como arquitecto, pero que comenzó a producir esculturas de metal en los años 1940.

  Lynn Chadwick fue uno de los escultores británicos más importantes de la posguerra. Conocido principalmente por las obras de metal, a menudo su obra estaba inspirada en la forma humana y el mundo natural, aunque también muchas otras veces parecía próximo a la abstracción. Nació en Londres en 1914 y murió en su casa en 2003,  a los 88 años de edad.

''Back to Venice'',1988

OBRA 

Walking couple,1976

   Sus trabajos expresionistas, de formas de animales y humanas, abstractas pero con frecuencia reconocibles, se incluyen en la colección de las más importantes instituciones mundiales, como la Tate de Londres, el Museo de Arte Moderno de Nueva York o el Instituto de Arte de Chicago.


  Chadwick se aproximó a la escultura desde la perspectiva arquitectónica. No esculpía ni modelaba, sino construía formas sólidas en herencia a su experiencia laboral en un estudio de arquitectura, antes y después de la II Guerra Mundial.


  Captó el espíritu de la posguerra en lo que el crítico británico Herbert Read describió como "geometría del miedo", y tuvo dificultades para mantener su perfil frente a la emergente generación de artistas británicos pop.
  Por eso, pronto Lynn Chadwick fue relegado a una segunda línea.

Stairs, 1991

The watchers, 1960

No fue hasta las últimas décadas cuando se revaloró su contribución a la escultura moderna. Tuvo que esperar hasta el año 1992 para montar su primera retrospectiva en Inglaterra, que le ofreció el Museo Yorkshire Sculpture Park.

Mientras, las exposiciones y encargos, siguieron creciendo en el extranjero. Junto a una masiva escultura para el aeropuerto de Palm Beach, en Florida, o la pieza para la fábrica Citroën de París.

Siguió construyendo prácticamente hasta su muerte en su estudio de Lypiatt Park.

The Guards, 1960

Bocetos para ''Back to Venice''

René Magritte

René François Ghislain Magritte
1898 – 1967 , Bélgica.

Pintor surrealista, conocido especialmente por sus ingeniosas imágenes.

Magritte nació en la pequeña localidad belga de Lessines. En su etapa infantil, Magritte sufre el trágico suceso del suicidio de su madre, el cual deja unos ecos que se pueden percibir en algnas de sus obras ( Los amantes, 1928).

Durante los años 30, Magritte y su mujer se trasladan a una región cerca de Paris. Allí, entra en contacto con André Breton y su grupo de surrealistas: Max Ernst, Jean Arp, Miró, y Dalí. Dentro del grupo, participa en todas sus actividades y colabora en la ''Revolución Surrealista''.

Aun manteniendo relación con los surrealistas hasta su muerte, Magritte se mantuvo siempre fiel a su idea de la pintura. Es por ello que es difícil hablar de evolución en su obra, o distinguir sus etapas.

ESTILO: EL SURREALISMO.

Puede decirse que todos los grandes pintores surrealistas fueron originales, pues no copiaron ni fueron copiados por otros. Pero la originalidad de Magritte fue de otro tipo:

el pintor realiza representaciones figurativas de alto grado naturalista, desarrollando a través de ellas las ideas surrealistas.

Con su pintura, Magritte busca despertar en el expectador ideas a través de la imaginación, la memoria, y los recuerdos.

ETAPAS DE LA OBRA DE MAGRITTE.

• Inicio: 1920 – 1924

Su obra trata temas de la vida moderna. Emplea en ellas colores brillantes y la forma tridimensional, con mucha influencia del cubismo y del futurismo. Promto se veróa atraído por el espíritu dadaísta.

Ejemplo: La bañista, 1925

• Etapa surrealista:

En su primer periodo surrealista, Magritte estuvo influido por De Chririco al ver su obra La canción de amor. Le atraía la atmósfera mistérica de sus pinturas.

Más tarde (1025 – 1930) entró en contacto con el surrealismo parisino presidido por André Breton. Con los años, evoluciona a un estilo muy personal con el que logra obras más intelectualizadas.

Ejemplo: El nacimiento del ídolo, 1926

•    Etapa Renoir: 1943, 1948

A pesar del contenido aun surrealista de sus obras, se puede observar un cambio en su técnica, que se vuelve impresionista. Desarrolla cuadros de colores fauvistas, los cuales reciben una crítica negativa que lo hacen regresar al estilo surrealista.

Ejemplo: La sonrisa, 1944

CARACTERÍSTICAS DE SU PINTURA.

Golconda, 1953.

OBJETOS DESPLAZADOS. El situar en los cuadros los objetos allí donde nunca los encontramos, es el principal mecanismo que Magritte utiliza para desencadenar un efecto poético en lo cotidiano.
  Estos desplazamientos fueron en parte inspirados por los collages de Max Ernst, y se complican cuando entre estos objetos existe también una relación.

 Ejemplo: El viajero, 1937

  METAMORFOSIS DEL OBJETO.  

Aparecen objetos que están funcionalmente relacionados con el objeto en el que se convierte, así Magritte pretende demostrar la fragilidad de las convenciones en las que se funda el lenguaje.

Ejemplo: La mirada interior, 1942

Analogía entre los nervios de la hoja y las ramas de un árbol, se refuerza por la relación natural de estos dos elementos.

  IMÁGENES EN CONFLICTO. Para Magritte, la mirada es un instrumento del conocimiento y hay que obligarla a ''pensar de un modo distinto al habitual''.  
Lo hace de diferentes formas: invierte el orden de los elementos de una escena, o cambia la relación de escalas. El propósito es desconcertar la mirada, y revelar así alternativas allí donde todo parece fijado.

Ejemplo: Las bellas realidades, 1964.

EL IMPERIO DE LAS LUCES. Desde el año 1958 hasta su muerte, realizó un conjunto de cuadros, todos titulados El imperio de las luces, en los que se representan un grupo de edificios entre follaje iluminados en su interior por luz eléctrica, o por faroles en el exterior. Lo insólito es que el cielo bajo el que están es de un azul totalmente diurno.

INTERIOR Y EXTERIOR. 

El pecho

La condición humana

Otro tema común en cuadros de Magritte es la relación entre interior y exterior a través de un elemento de transición.

Es una reflexión acerca de la pintura y la visión, que tiene los orígenes ya en el Renacimiento.

Ejemplos:

• La condición humana, 1934
• El pecho, 1961

  LA AUSENCIA Y LA PRESENCIA. Este es el concepto en el que se resumen todos los procedimientos retóricos de la obra de Magritte, que es una reflexión sobre la presencia y la ausencia de las cosas.

Inio Asano

Inio Asano ( 浅野 いにお), 1980 Japón.

Dibujante de manga. Especialista en el género de historias realistas y ganador de varios premios a jóvenes mangakas.









  Aunque muchos siguen pensando que el cómic japonés es un fenómeno adolescente, esto no puede estar más lejos de la realidad. Inio Asano es uno de los autores que nos sirve para eliminar los prejuicios y la desinformación que existe respecto al manga.
  Por suerte, siguen surgiendo autores que dicen que el manga no es sólo un compendio de historietas fantásticas llenas de acción, si no que puede llegar a ser puro arte.

Viñeta del manga ''Oyasumi Punpun''

Dibujo del personaje protagonista del manga ''Solanin''.

 A Asano no le gustaba estudiar, y dedicaba las clases a dibujar tiras cómicas que triunfaban entre sus compañeros de aula. 

  Ya a los 17 años consiguió publicar sus tiras en un periódico, y a los 21, ya había ganado un premio a jóvenes dibujantes.

 Muy poco años después, y tras varias obras de mediano éxito, llegaría su obra más famosa: Solanin, de la cual se llegó a hacer una adaptación cinematográfica con la participación de una de las actrices más reconocidas del cine japonés, Aoi Miyazaki.

  La prensa japonesa clasifica a Asano como perteneciente a una generación llamada los ''freeters''. Esto es, jóvenes que rehúyen del contacto con las mujeres, y con el sexo en todos sus aspectos. Ya sea verdad o una anécdota este grupo social, parece que inio Asano se siente cómodo al ser incluido en él, y esto se ve reflejado en la mayoría de sus obras: 

 La mayoría de personajes sufren la ansiedad juvenil, adolescente y veinteañera, esa incerteza ante un futuro que no está solucionado como lo tenían sus padres, no hay esperanza, no hay futuro, y es por ello que se vive al día a día, sin pensar demasiado en las consecuencias.








En cuanto al estilo gráfico de Inio Asano, destaca por ser un autor que busca en sus decorados un realismo fotográfico.

  De hecho, algo que algunos critican de Asano es precisamente que utilice fotos para hacer sus fondos, y es que ese realismo apabullante de muchas de sus obras se explica por ese truco, pero es así como el autor consigue mostrarnos el Japón tal y como es.

Viñeta del manga ''Una chica al lado del mar''.

  

  Otra de sus características es como el autor separa sus fondos preciosistas de los personajes. estos últimos están dibujados en un estilo cómic diferente al de los fondos.

 Pero el contraste entre el fondo y el personaje no se basa simplemente en el dibujo, ya que esa belleza que a menudo nos muestra Asano, envuelve a unos personajes que viven unas vidas poco o nada bonitas.

COMENTARIO DE UNA OBRA

Oyasumi Punpun.

Viñeta con el personaje protagonista del manga ''Oyasumi Punpun''

  Aunque es un manga clasificado dentro del género costumbrista, y trata temas muy cotidianos, la gran mayoría de críticas sobre la obra la describe como rara.

  

  La historia narrada se basa en la vida de un joven japonés, cuyos padres se divorcian de manera trágica, dejándolo sin ningún apoyo.

  asu vez, Punpun está enamorado de una chica del instituto, cuya familia forma parte de una secta religiosa, lo cual es otro de los temas tratados en la obra.

  Pero la rareza de este manga no radica en su argumento, sino en el dibujo: mientras que los personajes secundarios y los fondos están dibujados con un gran realismo, Punpun y su familia aparecen representados como garabatos de pollitos, es decir, como si fueran pollitos dibujados por un niño de tres años.