Andy Warhol

Andrew Warhola,
1928 - 1987, EEUU.

Fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art.

Tras terminar el instituto, Warhol se trasladó a Nueva York, y poco tiempo después comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper´s Bazaar, y otras.



ESTILO ARTÍSTICO: POP-ART.

  Tras ser conocido en todo el país por sus colaboraciones, Warhol comenzó a realizar sus obras más famosas tras un viaje alrededor del mundo, acto que marcó su vida y que le dio el impulso necesario para comenzar su etapa plenamente Pop.

  El pop art encuentra sus raíces en Dadá de quien se extrae la idea de unir arte y vida es decir, de anular la separación abismal que existía entre la vida cotidiana de las personas y el arte, exclusivo por entonces de unos pocos.








LOS CUADROS DE ELEMENTOS REPETIDOS

Bajo una crítica a la cultura de masas, Warhol elige dos elementos de ese capitalismo. Los repite de una forma casi obsesiva multiplicandolos en hileras con ligeras diferencias de impresión, por lo que el ojo tiene que seguir la línea de repetición y captar la distorsión que puede llegar hasta la manipulación y la destrucción. Las dos imágenes elegidas fueron la lata de sopa Campbell (1964) y los botellines de Coca-Cola, símbolos ambos de la modernidad y los nuevos tiempos.







RETRATOS

La característica común entre los retratos de Warhol que los hace diferenciarse de cualquier otro, es el color que el artista emplea en ellos.
   Warhol utiliza una paleta de colores mu vivos, la mayoría de las veces rimarios, y los aplica mediante la técnica de la serigrafía, de modo que los colores se muestran planos.
  Con este estilo retrató a las figuras más influyentes de su época:
(Liz Taylor, James Dean, autorretrato, General Custer, Grace Kelly, y Dennis Hopper).

También realizó retratos de personajes empleando una técnica diferente: la fotografía polaroid: (autorretrato, Debbie Hary, John Lennon, y Mick Jagger).

Andrew Wyeth

Andrew Newell Wyeth.
1917 - 2009, EEUU.

Pintor realista y regionalista, comunmente llamado ''el pintor del pueblo''.

  Nació en una familia en la que ya había artistas, como por ejemplo su padre, el ilustrador N. C. Wyeth, o su hermana Henriette.
  En el año 1933 conoció las acuarelas de Winslow Homer y la fuerte impresión que le causaron hizo que Wyeth emulase al viejo maestro, y que este mismo medio se convirtiese en su preferido.

Spring

  ESTILO PICTÓRICO

  El tema principal de sus obras es la tiera y habitantes de su ciudad natal: Chadds Ford, en Pensilvania, y de su casa de verano.
  Su estilo pictórico apenas varió a lo largo de su carrera. Su gusto por plasmar lo inmediato se contraponía su deseo de captar hasta los detalles más mínimos. 
  Su gama cromática se caracterizó por su tendencia a la austeridad, predominando los colores de la tierra. Durante la década de 1940 incorporó la técnica del temple al huevo, que aprendió de su cuñado, el también pintor Peter Hurd, y gracias a la que logró crear unas superficies muy mates.









COLECCIÓN DE CUADROS DE ''HELGA''

Muy poco tiempo atrás, Wyeth ha desvelado la existencia de 246 obras hasta el momento desconocidas. Todas ellas tienen el mismo tema en común: el retrato de una mujer llamada, según el pintor, Helga.

Nadie, ni siquiera su mujer, había sabido hasta ahora de la existecia de estas obras. El pintor a relatado que la mujer representada es una modelo a la que estuvo viendo durante años.

OTRAS OBRAS

Rodin

François-Auguste-René Rodin.
1840 - 1917, Francia.

Escultor contemporáneo del impresionismo, pero con procedencia de la escuela academicista neoclásica.

Nació en París en el seno de una familia modesta, apenas sabemos nada de su infancia. Sus primeros años no fueron fáciles, no siendo admitido en la Escuela de Bellas Artes, tuvo que resignarse con asistir a la Petit Ecole de artes decorativas.










ESTILO ARTÍSCTICO

Mujer en cuclillas, 1881-2

  A finales del siglo XIX, el Impresionismo, que era un movimiento fundamentalmente pictórico, ejerció una profunda influencia en la escultura. Ésta se adecua a este movimiento artístico a través de la renovación de las técnicas, del estudio de las posibilidades del material, y estudiando los efectos del inacabado.
  
  Clasificar a Rodin simplemente como impresionista no sería justo, pues hizo un arte muy al servicio del simbolismo. La escultura era un instrumento para su personal visión de la naturaleza.








LA SUPERFICIE SENSUAL

Torso de Adele, 1882

La eterna primavera, 1884.

La sensualidad es perceptible a simple vista en las superficies de las obras de Rodin y en sus bronces. Rebosan un juego de luces y sombras natural e intenso, incluso parece que nos invitan a tocarlas y acariciarlas. Muchas de sus obras, como Torso de Adele o La eterna primavera, ponen de manifiesto que tanto las poses de las figuras como el acabado se deben a una inspiración erótica.










OBRAS

• El despertar de la humanidad, 1877. Fue la obra que lo lanzó a la fama, aunque fue muy criticada, pues su realismo indujo a pensar que había sido fundida a partir de un modelo vivo. Es un desnudo masculino de tamaño natural; el joven con la mano izquierda plegada parece contener la explosión del amor, deseo y esperanza.

• Las Puertas del Infierno, 1880

  Obra realizada como encargo para servir como las puertas del Museo de Arte Decorativas de París, en las que escoge como tema el Infierno de Dante. Al principio, ideó la puerta con la misma estructura de paneles que la de Ghiberti. Pero fue modificando la idea, hasta que la realizó compuesta por dos grandes paneles rectangulares en los que presentó figuras  de varios tamaños que proyectaban infinidad de relieves sobre un fondo turbulento. Representan a los condenados ascendiendo y cayendo.

• Balzac, 1898. Es un monumento al novelista francés y amigo del artista Balzac. Según Rodin, con esta obra no quería asemejar la representación al aspecto físico del modelo, si no expresar con ella una evocación de este genio visionario.

El pensador,1880.

La Danaide, 1889

Los burgueses de Calais,1889

La catedral, 1908

El beso,1888-9

Las tres sombras, 1886.

Hokusai

Caricatura de Hokusai en el manga de Shotaro Ishinomori.

Katsushika Hokusai.
1760 - 1849, Japón.

Pintor y grabador japonés del periodo medieval Edo.




BREVE BIOGRAFÍA

Hokusai nació en un barrio humilde, hijo de un artesano, y de una mujer cuya familia había sido muy conocida en pasados tiempos de guerra. Con 18 años se inició en el arte del Ukiyo-e como alumno del gran dibujante Shunsho; su originalidad no pudo ser reprimida, y el entusiasmo del alumno por el trabajo enérgico en blanco y negro irritó al anciano.
En el culmen de su carrera artística, la obra de Hokusai cubre toda la gama del arte Ukiyo-e.

¿Qué es el Ukiyo-e?  "pinturas del mundo flotante", es la denominación de los grabados en madera realizados en Japón entre los siglos XVII y XX, representando escenas de la vida cotidiana,  del  mundo del teatro, de la naturaleza, etc. El Ukiyo-e se utilizó, en principio como ilustración, pero pronto se convirtió por mismo en objeto en obra de arte deseada.









EL PINTOR DE LA VIDA

Los artistas de la época Edo realizaron numerosas obras religiosas. Los dibujos religiosos de Hokusai presentan algunas variaciones sobresalientes con respecto a la tradición artística de su momento:
Fue el primero en representar a las diosas realmente hermosas, combinando sus atributos simbólicos con  la gracia y suavidad de las mujeres reales que lo rodeaban.
  Así, las figuras divinas de Hokusai, son ''dioses de la gente'', se desprenden de la austeridad y se convierten en personajes reales y cercanos.







Monstruos, fantasmas, y demonios reciben el mismo tratamiento: ya no son seres de niebla e indefinidos; los monstruos están descritos con una delicadeza que a la vez infunde menos miedo y los vuelve más reales.

 























Este estilo de dibujo de Hokusai, así como la manera nformal de dibujar a dioses, nobles y reyes, tiene una causa: nunca se cansaba de dibujar a la gente corriente que le rodeaba. Los artesanos, tenderos, y la gente del pueblo ocupados en una variedad de entretenimientos y labores. 












EL PINTOR DEL PAISAJE: Las 36 vistas del Monte Fuji.

Kanagawa-oki nami-ura

Entre 1831 y 1833 Hokusai produjo una serie de xilografías de estilo Ukiyo-e que retrata al monte Fuji visto desde diversas perspectivas y bajo distintas estaciones del año y condiciones climáticas. 
 El Monte Fuji es un objeto muy popular y recurrido en el arte japonés, debido a su peso cultural y religioso. Esta creencia se remonta a un mito según el cual una diosa deposita el elixir de la vida en la cima.

Selección de varias obras pertenecientes a la serie:

 Gaifu kaisei  

Buyo Tsukuda-jima

 Toto Asakusa honganji

Shinshu Suwa-ko 

Soshu umezawa-sai

Soshu Shichiri-ga-hama