Inio Asano

Inio Asano ( 浅野 いにお), 1980 Japón.

Dibujante de manga. Especialista en el género de historias realistas y ganador de varios premios a jóvenes mangakas.









  Aunque muchos siguen pensando que el cómic japonés es un fenómeno adolescente, esto no puede estar más lejos de la realidad. Inio Asano es uno de los autores que nos sirve para eliminar los prejuicios y la desinformación que existe respecto al manga.
  Por suerte, siguen surgiendo autores que dicen que el manga no es sólo un compendio de historietas fantásticas llenas de acción, si no que puede llegar a ser puro arte.

Viñeta del manga ''Oyasumi Punpun''

Dibujo del personaje protagonista del manga ''Solanin''.

 A Asano no le gustaba estudiar, y dedicaba las clases a dibujar tiras cómicas que triunfaban entre sus compañeros de aula. 

  Ya a los 17 años consiguió publicar sus tiras en un periódico, y a los 21, ya había ganado un premio a jóvenes dibujantes.

 Muy poco años después, y tras varias obras de mediano éxito, llegaría su obra más famosa: Solanin, de la cual se llegó a hacer una adaptación cinematográfica con la participación de una de las actrices más reconocidas del cine japonés, Aoi Miyazaki.

  La prensa japonesa clasifica a Asano como perteneciente a una generación llamada los ''freeters''. Esto es, jóvenes que rehúyen del contacto con las mujeres, y con el sexo en todos sus aspectos. Ya sea verdad o una anécdota este grupo social, parece que inio Asano se siente cómodo al ser incluido en él, y esto se ve reflejado en la mayoría de sus obras: 

 La mayoría de personajes sufren la ansiedad juvenil, adolescente y veinteañera, esa incerteza ante un futuro que no está solucionado como lo tenían sus padres, no hay esperanza, no hay futuro, y es por ello que se vive al día a día, sin pensar demasiado en las consecuencias.








En cuanto al estilo gráfico de Inio Asano, destaca por ser un autor que busca en sus decorados un realismo fotográfico.

  De hecho, algo que algunos critican de Asano es precisamente que utilice fotos para hacer sus fondos, y es que ese realismo apabullante de muchas de sus obras se explica por ese truco, pero es así como el autor consigue mostrarnos el Japón tal y como es.

Viñeta del manga ''Una chica al lado del mar''.

  

  Otra de sus características es como el autor separa sus fondos preciosistas de los personajes. estos últimos están dibujados en un estilo cómic diferente al de los fondos.

 Pero el contraste entre el fondo y el personaje no se basa simplemente en el dibujo, ya que esa belleza que a menudo nos muestra Asano, envuelve a unos personajes que viven unas vidas poco o nada bonitas.

COMENTARIO DE UNA OBRA

Oyasumi Punpun.

Viñeta con el personaje protagonista del manga ''Oyasumi Punpun''

  Aunque es un manga clasificado dentro del género costumbrista, y trata temas muy cotidianos, la gran mayoría de críticas sobre la obra la describe como rara.

  

  La historia narrada se basa en la vida de un joven japonés, cuyos padres se divorcian de manera trágica, dejándolo sin ningún apoyo.

  asu vez, Punpun está enamorado de una chica del instituto, cuya familia forma parte de una secta religiosa, lo cual es otro de los temas tratados en la obra.

  Pero la rareza de este manga no radica en su argumento, sino en el dibujo: mientras que los personajes secundarios y los fondos están dibujados con un gran realismo, Punpun y su familia aparecen representados como garabatos de pollitos, es decir, como si fueran pollitos dibujados por un niño de tres años.

Klimt

Gustav Klimt.
1862- 1918, Austria.

Pintor simbolista, y uno de los representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa.

Movimiento perteneciente: Modernismo.




EL PINTOR Y SU VIDA

El carácter introvertido del artista, es la causa de que apenas se conozcan datos biográficos que relaten el desarrollo personal que tuvo el pintor. Klimt se constituyó a sí mismo como un personaje misterioso y distante. Él mismo dijo sobre sí:

''Estoy convencido de que no soy una persona especialmente interesante. Soy pintor [...], las palabras habladas o escritas, no me salen con facilidad. Si alguien quiere descubrir algo en mi, puede contemplar atentamente mis pinturas''.

Retrato de niño, 1885.

   Ya en la escuela primaria, el pequeño demostró que tenía dotes para el dibujo, por ello, fue recomendado por sus profesores para ingresar en la Escuela de Artes y Oficio.
  

Amor, 1895

  Durante su formación como artista, Klimt sufrió la disputa entre los métodos de enseñanza clásica, contra las nuevas ideas de los secesionistas, que pretendían establecer un sistema de educación que fomentase la libertad y la creatividad.
  Por ello, en las obras tempranas de Klimt se puede observar la copia de maestros clásicos; pero despues de esta etapa academicista, Klimt desarrollaría una muy personal obra pictórica que lo llevó al más alto reconocimiento.









Klimt en la Secesión vienesa.

Friso de Beethoven, 1902

   Klimt se conviritó en el presidente de la Secesión Vienesa, la cual se formó como alternativa a la escuela establecida, con el objetivo de promocionar a nuevos artistas.
  Entre sus miembros había artistas simbolistas, realistas y naturalistas.
  Durante esta etapa, Klimt viajó y conoció los mosaicos de las basílicas bizantinas, las cuales le inspiraron, y comenzó así su epoca de mayor madurez artística.

Friso de Beethoven, 1902

EL PINTOR Y SU OBRA.

  Breve análisis de una selección de las obras más relevantes del autor, ordenadas cronologicamente:




El teatro de Taormina, 1886-88.

Encargo como motivo de la demolición del antiguo Teatro de Viena.

En esta obra, Klimt sigue la tradición alegórico-mitológica requerida. este estilo que rescata el arte clásico, exigía que los artistas a los que se les encargó, realizasen estudios sobre la época antigua.

  Además de características clásicas, en esta obra se emplea un carácter ornamental y majestuoso propios del Barroco y el Rococó.

La medicina, fotografía

La medicina, 1900-1907

También obra por encargo, para la decoración de algunas zonas de la Universidad de Viena.

El proceso de realización de esta obra fue largo, debido a sus extensiones, y también a una pequeña controversia que causó el estilo empleado por el autor.

  Esta obra fue destruida en un incendio, por ello sólo se conservan de ella los bocetos, y fotografías en blanco y negro de la obra original.

En el detalle se muestra a Higiene, una de las hijas de Asclepio; lujosamente ataviada; en contraste a ella se representa el Sufrimiento en forma de una mujer desnuda y en movimiento, como símbolo de la vulnerabilidad.

La medicina, detalle

Bosque de hayas, 1902




Es una de las obras pertenecientes a un conjunto en las cuales el autor representa motivos de la naturaleza, como lagos, parques, o grandes ríos.

En la obra se observa la concepción atmosférica del espacio, y un recogimiento interior y meditación, características con las que el pintor dotaba a todas sus obras de este mismo tema.










Serpientes de agua, 1904-1907

Se trata de una obra realizada con un amplio despliegue técnico: acuarela, temple, y aplicaciones de hojas de oro y plata sobre pergamino.

La lectura de la obra puede ser doble: por un lado, la relación entre mujeres con las especies acuáticas hermafroditas, y el puro instinto o las fuerzas incontrolables del subconsciente humano. Por otro lado, se puede interpretar como la representación de la sexualidad femenina.

Las tres edades de la mujer, 1905




  Esta obra retoma un tema ya abordado anteriormente por el pintor: el devenir representado en los ciclos vitales.

  El deseo de contrastar cada una de las figuras lleva a lpintor a emplear distintos tipos de realismo en cada una de ellas; esta diferencia es también reforzada con la expresion otorgada a cada rostro.









Retrato de Fritza Riedler, 1906

  Esta obra posee algunos rasgos que la hacen especial, como por ejemplo, como la repetición de motivos que hay en el fondo y también en la figura, hace que ambos se integren, es decir, da la impresión de que la figura también forma parte del fondo.
  También se puede observar que la forma triangular empleada recuerda a algunos retratos de Velázquez, en especial Las Meninas.
 Esta obra forma parte de la llamada ''etapa de oro'' de Klimt, ya que el artista empleó el oro para decorar fondos y espacios.










Retrato de Adele Bloch-Bauer, 1907.

Retrato de Adele Bloch-Bauer I

Retrato de Adele Boch-Bauer II

  Los retratos que Klimt realizó a esta modelo sirven para observar el desarrollo del pintor:
  En el primero, las unicas partes de la figura que quedan sin ornamentación son las manos y el rostro; el resto del cuerpo cubierto con un manto dorado, se confunde con fondo, de la misma manera que ocurre en la obra de El Beso.
  Es una obra también perteneciente a la ''época dorada'', fruto de la visita del pintor a Rávena, donde conoció los más ricos mosaicos bizantinos.

  En el segundo retrato, emplea el llamado ''estilo ornamental''. Muestra por primera vez a la modelo de forma totalmente frontal, y aplica una técnica pictórica nueva.
  El color se enriquece con características fauves.






El beso, 1907 - 1909

   Una obra también perteneciente a la ''etapa dorada'', ya que se emplea en ella el pan de oro.
  Es posible que la enorme popularidad del cuadro se deba al uso de este material, pues el oro puede evocar temas religiosos o mágicos.
  
  Ademas del uso del dorado, esta etapa se caracteriza por la poca profundidad espacial, y la ornamentación.

  Las dos figuras representadas se encuentran una absorta en la ora, dentro de una aureola que los acoge y los aisla del resto del mundo. Esto, sumado al rostro vuelto del hombre, refuerza la impresión de distanciamiento con el espectador.